Proyecto “Nire akatsekin hazten naiz”

Trad. del Euskera, Crezco/empiezo con mis errores

A menudo, en el taller de grabado ocurren errores: manchas indeseadas, poca carga de tinta, planchas que no llegan a ningún sitio… todo esto deriva en una pérdida de material y tiempo, pero más allá de lo material, también de posibilidades. Es frecuente que nos apeguemos a ensayos de estampas porque “esta parte de aquí tiene una textura interesante”, “mira qué color tan bonito”, “ésta mancha me podría haber dado juego”…

La idea de “Nire akatsekin hazten naiz” es retomar esas estampas abandonadas, remendar y arreglar, como antes hacíamos, la parte que no nos gusta y darle una segunda oportunidad. Corrientes actuales como el visible mending proclaman que en las roturas y fallos siempre hay oportunidad para la ornamentación, y que crear a partir del error es un aprendizaje no sólo de una técnica, sino también en el espectro vital, a la hora de aprender a lidiar con lo cotidiano.

Entender los procesos, no como algo de usar y tirar, sino como un aprendizaje que requiere de intentos, de arreglos, y que se queda con nosotros durante muchos años.

Mis obras remiten a la filosofía existencialista; ya que trabajo el paso del tiempo (y el peso del mismo; cómo este peso conlleva runas), el individuo (y aquellos otros que lo conforman: amistades y familia), pero sobre todo la postura de este dentro del espacio que le rodea, y el rastro que deja. Me interesan, pues, aquellos espacios abandonados, aquellos que han sido habitados y vividos, pero en los que la vida ya se ha desvanecido. En mis exploraciones de imaginario me considero una persona muy plástica y matérica; y es que aunque esta materia no siempre se haga evidente en cuerpo físico, sí está presente. A pesar de que mi obra se conforme a partir de la plástica, este imaginario y concepto que presento, surge de una forma involuntaria y racional. Un proceso que se basa en la experimentación del uso de la técnica. Y es que, en mi obra, el proceso es de vital importancia; pues es este juego de probar y arriesgar, es las base de mi proceso de creación.

TÓRCULO 16

El grupo «TÓRCULO-16» está integrado por varios autores plásticos de Andalucía, Galicia y Asturias que vienen desarrollando su actividad en el concejo de Siero, y que comparten su interés por el arte del grabado. Tienen el propósito de trabajar de forma colaborativa y exponer sus obras conjuntamente para difundir el mundo del grabado y sus enormes posibilidades expresivas.

Para esta feria de Arte Gráfico de Oviedo 2021 los grabadores que se presentan son:

• Ceferino Corujo Marcos
• Román Fernández Crespo
• Nancy López Rodríguez
• Pilar Messa Bernández

Este conjunto de xilografías exploran las posibilidades de esta técnica, buscando nuevos caminos estéticos. Haciendo algo que solo se pueda conseguir a través de ella, gracias a su facilidad y velocidad de estampado y sobre todo a la característica textura de las diferentes maderas. De este modo, el proceso xilografíco se convierte en una especie de juego plástico con la madera; se combinan un número determinado planchas, como si fuera un puzzle, o la misma repetidamente dando lugar a imágenes totalmente distintas. Asimismo, en algunas el proceso continúa una vez terminada la estampación, combinando las estampas en un nuevo juego de texturas, a través del trenzado de papel, convirtiendo este material, muy relacionado con la madera, a la vez en soporte y medio de expresión.

“Vistas de una Ciudad Colmena” es una carpeta de linograbado compuesta por ocho estampas, en las que se reflejan los distintos elementos que conforman el concepto de ciudad colmena a través de mi imaginario. El tamaño de las estampas es de 50x70cm y han sido realizadas en los talleres de la escuela Arte Diez como parte de mi proyecto final de ciclo entre finales de 2020 y 2021. El conjunto de las estampas está recogido en una caja de madera cubierta con mosaico a ambas partes.

Fauna ibérica

Del lat. Fauna, diosa de la fecundidad, y Ibērica, adjetivo y/o nombre femenino singular relativo a Iberia.

Es una serie de estampas que ironiza sobre el formato de las publicaciones de ciencias naturales, al mismo tiempo que gira en torno al concepto de Iberia y a la noción de lo generalmente asociado a lo ibérico.

Desde este punto, re-elaboro una colección propia, constituida a base de elementos folklóricos e iconos de la cultura popular del territorio peninsular, constituyendo un muestrario zoológico muy poco autóctono, pero particularmente identitario.

La temática constante en mi trabajo son los núcleos y extremidades. Mediante estos conceptos que subyacen en mi obra hablo de la experiencia personal relacionando sensaciones y emociones a formas puntiagudas y ovaladas; estiradas y balanceadas; acotadas y difuminadas. El uso de la antítesis formal me permite reflejar las contradicciones propias del pensamiento–acción–sentimiento que a su vez se complementan y las hacen posibles.

A partir de esta idea se van originando diferentes series en mi trabajo como “Astilla-postilla”, donde la herida emocional encuentra sus diferentes formas y marcas partiendo del núcleo. Heridas compuestas por capas, con núcleo; heridas que se intuyen, heridas que causan vacio, que esconden, que se expanden y contraen. Formas orgánicas que hacen alusión a la huella post-combustión, atraída por la falta de control y la rapidez destructiva de la llama que prende un papel o una tela.

“Astilla-postilla” es una serie de grabados realizados mediante técnicas aditivas, fotograbado, xilografía, litografía, aguafuerte y aguatinta, donde la herida emocional como concepto abstracto y la quemadura de una tela como materia visible y concreta me permiten hacer un puente desde el que trabajar.

El proyecto que propongo exponer en el marco de la feria esta enfocado a la gráfica mediante la ilustración pero también por su dimensión editorial a través de su inscripción en el mundo del fanzine y de la micro edición. Mi trabajo conlleva una relación explicita con la narración, a través de la figuración presente en mis imágenes, y con las historias que sugiero en ellas.

En este mismo sentido, una parte de mi propuesta incluye las obras realizadas para la exposición comida familiar que inauguramos en ora labora studio (Salamanca, España) muy recientemente. Enfocada a un tema muy cotidiano como lo es el tema de la comida familiar, esta exposición se inscribe en una narración aplicada a un acercamiento intimista y personal

El trabajo que estoy
desarrollando actualmente
se centra en la
experimentación y los
límites de la xilografía a
plancha perdida.

En cada obra aumento el
tamaño de la plancha y

trato de crear mayor
riqueza con la utilización
de más tintas.

Tratando de exprimir la
capacidad expresiva de
dicha técnica.

También mostría una
selección de obras creadas
con la técnica del aguafuerte
y aguatinta en tonos
negros.

El proyecto presentado es la continuidad de los trabajos desarrollados hasta ahora en los que básicamente se trabaja el color, la luz y la composición en estructura a través de la experimentación e investigación con nuevos procesos y disciplinas de pintura desarrollados por medio de procesos gráficos como el grabado y la serigrafía, que establecen unos resultados sobre papel similares a los concebidos como pinturas sobre papel. Las posibilidades de trabajo de la obra por medio del grabado en talla y relieve además de la serigrafía, permiten en la pintura sobre papel innumerables ventajas, que no son posibles o que dificultan en gran labor el trabajo si se desarrollase como pintura tradicional sobre tela. La versatilidad de la serigrafía y el grabado especialmente y las posibilidades que permiten al hacer reservas, recortes, formas geométricas… dan rienda suelta a las múltiples posibilidades de registros, colores e impresión, que no permiten otros medios lo que me interesa especialmente para el desarrollo de mi trabajo.