Lucía Dueñas

BEGMONT

Belén García Montoya (Gijón, 1975) es el pseudónimo que utiliza para firmar su obra, y que va ligada irremediablemente a ella,  desde que nació como tal. Licenciada en Bellas Artes en Sevilla, aunque cursó sus  primeros años carrera en la Universidad de  Salamanca.

El arte urbano, el cómic y la ilustración, están en la génesis de su estética. Suele construir escenas llenas de color, formadas por una o varias piezas, donde se cuenta una historia y donde no hay separación estética ni temática. Intenta, a partir  de  sus obras, poner a disposición del espectador un juego entre  lenguaje y dibujo y a ser posible, que dicho juego le lleve a la reflexión.

Sus piezas se apoyan en la palabra, y la palabra en el dibujo y el color, creando así un entramado constante y difícil de separar. Los personajes funcionan, a ratos como alter ego de la propia autora y otras veces simplemente muestran o establecen cartografías de aquellas cosas de la vida relacionadas con las emociones, los miedos, los sueños, las expectativas, la cotidianidad…

Arancha Osoro

Mario Cervero

De formación autodidacta, Mario Cervero (Oviedo, 1963) es hoy uno de los artistas asturianos más polifacéticos. Sus lenguajes plásticos comprenden desde el dibujo al diseño gráfico pasando por la pintura y el audiovisual hasta la joyería.

Este artista formó parte de varios colectivos y grupos desde los cuales, poco a poco, ha ido acuñando un sello personal y una manera de hacer que han marcado todo su trabajo.

La evolución de su obra está caracterizada por un dibujo que le sirve de punto de partida para dar rienda suelta a los distintos estilos que domina. Protagonizadas por la espontaneidad y la frescura, en sus primeras exposiciones predominaban los tonos oscuros y un carácter un tanto irónico fruto de la inmediatez de unas formas evidentemente expresivas. Composiciones rotundas, signos criptográficos y letras obvias, acentuadas por llamativas tintas planas, constituían una constante sobre la que el artista progresaba con un más que evidente dominio técnico.

Diana Tejero

Durante mi estancia en Brasil en 2013 cursando Audiovisuales, una asignatura de acuarela apareció en el camino para terminar siendo irónicamente la técnica utilizada en mi proyecto final de carrera. Dejé el teclado atrás para ensuciarme las manos.

A la vuelta a Valencia, Patricia Concina me introdujo en el mundo del grabado, descubrí la xilo y la seri y trabajé intermitentemente con el gran tórculo del taller de Escuela Meme, mi mini tórculo en el salón de casa y la insoladora y la karcher en el baño pequeño.

En Escuela Meme participé en el proyecto colectivo “La Palabra Incisa” dónde nos emparejamos con poetas y creamos juntas. He realizado proyectos personales que siempre giran alrededor de lo único que conozco – si es que lo conozco – que es mi experiencia como habitante de este mundo, con el filtro de ser mujer, claro.

En 2020 me formé en serigrafía con Eleanor Lines en su taller Kypsely Print Studio en Atenas y en 2021 realicé el módulo de Xilograbado en la Fundación CIEC y actualmente sigo experimentando con grabado en relieve en talleres allà dónde voy

Eduardo Lara

Su obra abarca trabajos en gráfica, pintura, dibujo, escultura, instalación y objetos.  La temática de su obra hace una reflexión en torno a la dualidad y el paralelismo entre vida y muerte, belleza y fealdad, luz y oscuridad, lo lógico y el absurdo.  Su serie de pinturas Doppelgänger  se enfoca en el tema de la repetición (gemelos, dobles, alter ego, reflejos, la copia, la repetición, los polos opuestos)  La serie de Los Hombres Ciegos (pintura, grabado, dibujo y objetos)  tiene como tema la ceguera, en un sentido literal y metafórico, todo desde la paradójica perspectiva del que goza del privilegio de la vista.   Desde 2018, junto con Victor Ríos se encarga de la coordinación, curaduría y gestión cultural del proyecto internacional Sin Rumbo Fijo.

En su tiempo libre es misionero franciscano y conquistador.

TÓRCULO 16

El grupo “Tórculo 16” está integrado por varios autores plásticos de Andalucía, Galicia Y Asturias, que vienen desarrollando su actividad en el concejo de Siero y que comparten su interés por el arte del grabado. Tienen el propósito de trabajar de forma colaborativa y exponer sus obras conjuntamente.

Para Alma Gráfica 2022 los grabadores que se presentan son:

  • Ceferino Corujo Marcos
  • Román Fernández Crespo
  • Nancy López Rodríguez

El proyecto que presentamos este año toma como tema el mar. Esta propuesta nos permite llevar al papel estampas colectivas y estampas individuales.

Las técnicas utilizadas serán varias: punta seca, manera negra, Chine collé…

La utilización de distintos materiales y técnicas nos permite la variación compositiva en los temas y colores, teniendo como protagonista la utilización del rodillo en el entintado.

Esta propuesta la podríamos denominar “ictiocroma”, y en la ejecución de nuestra obra tendremos como aliados el papel super alfa y la tinta Charbonnell.

Joan Polo

En mis obras trabajo el paso del tiempo (y el peso del mismo; cómo este peso conlleva runas), el individuo (y aquellos otros que lo conforman: amistades y familia), pero sobre todo la postura de este dentro del espacio que le rodea, y el rastro que deja. Me interesan, pues, aquellos espacios abandonados, aquellos que han sido habitados y vividos, pero en los que la vida ya se ha desvanecido. En mis exploraciones de imaginario me considero una persona muy plástica y matérica; y es que aunque esta materia no siempre se haga evidente en cuerpo físico, sí está presente. A pesar de que mi obra se conforme a partir de la plástica, este imaginario y concepto que presento, surge de una forma involuntaria y racional. Un proceso que se basa en la experimentación del uso de la técnica. Y es que, en mi obra, el proceso es de vital importancia; pues es este juego de probar y arriesgar, es las base de mi proceso de creación.

Maider

Maider Alday Parra (Aramaio, 1995) se anima a estudiar el Grado de Conservación y Restauración de Bienes Culturales, estimulada por el imaginario del artesano (y el alquimista). Tras dos años entre libros y químicos, echa un poco de menos el taller, el ruido, el aguarrás. Decide matricularse en el Grado de Diseño y Creación. Decide evitar mientras pueda el ordenador, el progreso tecnológico, la miopía. Trabaja dinamizando clubs de lectura feministas con señoras. Al principio con un grupo manejable pero al final casi cuatro en dos ciudades. Le gusta dilatar el día, pasear y, sobre todo, detenerse y señalar. Marcha a Galicia, descubre la estética de la periferia rural, le pone nombre –feismo-, se enamora de la litografía en la Fundación CIEC. Desde entonces oscila entre Aramaio-Betanzos-Bilbo-Cabo de Gata. Y aquí camina, dibuja, lee, a veces ilustra, se autoedita sus publicaciones y a veces la gente las lee.

David Arteagoitia

Artista visual formado en el campo de las técnicas gráficas, desarrolla su trabajo en la estampa contemporánea y la obra sobre papel. Una gráfica expandida que busca transgredir los límites tradicionales del grabado situando su trabajo a medio camino entre lo gráfico, lo pictórico y lo escultórico. Su interés plástico y conceptual se centra en los modos de representación de aquellos aspectos matéricos que conforman la piel de la imagen.

El relieve texturado de los materiales impresos contrasta poderosamente con la planitud de los fondos orgánicos. De esto modo se establece una nueva relación con el espectador, que experimenta una intensa sensación táctil a través de la observación, siente el color como algo físicamente perceptible, algo tangible gracias a la presencia real del material (carborundum) en la estampa.

La gestualidad expresiva del trazo pictórico se confronta a la racional geometría de los planos de color. Para dar la mayor relevancia a estas cuestiones huye de la figuración y se centra en la austeridad cromática, en los pesos y el equilibrio entre espacio ocupado y el vacío, el blanco y el negro. El color y la materia nos hablan del movimiento de la mano cuando traza un determinado gesto, indica direcciones, crea signos en el espacio. Utiliza técnicas tradicionales como el aguafuerte, el aguatinta o la serigrafía para hablar de sí mismos como herramientas generadoras de imágenes.

Grabar es crear una incisión, abrir una herida, atacar la matriz de metal, dejar una huella; es el rastro de la acción humana al desgarrar una superficie. A través de su obra, seriada o no, cuestiona la idea de estampa original y reflexiona sobre el lugar que ocupa hoy en día la obra gráfica. Nos habla del proceso mismo de generación de la imagen; la existencia de una matriz que posibilita la repetición, el reporte por presión/contacto y la huella única o múltiple. De esta reflexión surge la obra, lugar de encuentro y sugerencias, donde se hacen preguntas y despiertan emociones.

Isabel Durá

Isabel Durá (Valencia, 1997) finaliza el grado de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia y decide continuar por la rama gráfica cursando el Máster de Obra Gráfica de la Fundación CIEC en Betanzos, Galicia.

Su obra gira en torno a la reflexión sobre el espacio, la cotidianeidad, la distorsión del mismo y el impacto que tenemos sobre él y los objetos, pretendiendo dar mayor importancia a lo generalmente insustancial. Color, deformación y perspectivas, una simbiosis entre la ilustración y las artes gráficas.

Actualmente reside de forma temporal en Betanzos haciendo uso de los talleres y centrada en la xilografía y las posibilidades de ésta.

Léo Alcaraz / ALCA

Soy ilustrador de profesión desde 2018 después me diplomo en Bellas Artes de Epinal (Francia). Vivo en el sur de Francia. la mayor parte del tiempo trabajo la ilustración con mi pluma de dibujo, con lápiz, acuarela, pintura y herramientas informáticas. He  tambien practicado la serigrafía durante mucho tiempo, ahora me concentro en la xilografía con lo que reinterpreto, en grabado, los sucesivos pasos de color de la serigrafía. La plancha perdida me fascino porque, cuando empiezo a grabar no puedo predecir exactamente el resultado final, voy superponiendo los colores poco a poco, lo que me permite improvisar en cualquier momento. Esta técnica requiere un cierto rigor haciendo central cada proyecto hasta su finalización. El numbre de estampa limitada provoca la deterioración de las planchas a cada pasada de colores, lo que agrega una entidad a cada una de ellas. Su número reducto, su rareza, y la implicación que despide aún más.